Más allá del vídeo: otra forma de trabajar la imagen en movimiento

En un momento en el que producir imágenes es más fácil que nunca, la dificultad ya no parece estar tanto en conseguir una cámara, editar un vídeo o generar una pieza para una plataforma concreta, sino en decidir qué merece ser mostrado y de qué manera. Las herramientas audiovisuales han alcanzado un nivel de precisión y accesibilidad extraordinario, mientras que la velocidad de producción y publicación se ha convertido en uno de los principales criterios de la comunicación contemporánea. Sin embargo, disponer de más tecnología no significa necesariamente disponer de una mejor imagen. En muchos casos, significa simplemente disponer de más imágenes.

NEPTUNIA - Studio de Imagen en Movimiento

Para nosotros, el punto de partida de un proyecto audiovisual está en otro lugar. Antes de preguntarnos qué vídeo hay que hacer, nos interesa entender qué tenemos delante. Un edificio, una persona, una institución, un objeto o un territorio contienen información que no siempre aparece en un briefing. Hay una historia, una determinada relación con el espacio, una materialidad, unos gestos, unos sonidos y, en ocasiones, una memoria que difícilmente puede traducirse mediante una estructura audiovisual predeterminada. La primera tarea consiste entonces en observar y comprender antes de registrar.

Esta forma de aproximarse al trabajo resulta especialmente relevante cuando se trata de arquitectura, diseño, cultura, patrimonio, gastronomía, hospitality o instituciones. En estos ámbitos, la comunicación no siempre necesita explicar más, sino encontrar una forma adecuada de expresar aquello que hace singular a un proyecto. Un estudio de arquitectura puede tener una identidad que se encuentra tanto en sus edificios como en la manera en que entiende el espacio. Un museo puede necesitar transmitir una determinada relación entre sus colecciones y el público. Un hotel puede querer comunicar una atmósfera que no aparece en una enumeración de habitaciones y servicios. En todos estos casos, la cámara es solamente el punto de partida de un proceso más amplio.

La herramienta después de la idea

La evolución tecnológica del audiovisual ha estado marcada por una búsqueda constante de mayor definición, mayor velocidad y mayor control. Las cámaras actuales permiten registrar imágenes de una calidad extraordinaria y los procesos digitales han simplificado buena parte de la producción y la distribución. Todo ello ha ampliado enormemente las posibilidades del medio, pero también ha contribuido a establecer determinados estándares visuales que pueden terminar haciendo que proyectos muy diferentes se parezcan entre sí.

Nuestra relación con la tecnología parte de una premisa distinta: una herramienta no tiene valor por sí misma, sino por lo que permite expresar. Una cámara digital de última generación puede ser la elección adecuada para un proyecto, del mismo modo que una cámara de vídeo antigua, una cinta, una óptica determinada, material de archivo o incluso una combinación de diferentes formatos pueden resultar más apropiados para otro. El interés por las tecnologías analógicas o por los formatos antiguos no nace, por tanto, de una voluntad de regresar al pasado. Nos interesa la capacidad que tienen determinados dispositivos y materiales para producir una imagen diferente.

Esto implica entender la tecnología como parte de un lenguaje y no como el lenguaje en sí mismo. La elección de una cámara, una óptica, una emulsión, una textura o un formato debería responder a lo que se quiere contar. La herramienta viene después de la mirada.

El tiempo también forma parte de la imagen

Hay otra dimensión del audiovisual que a menudo queda relegada frente a las cuestiones técnicas: el tiempo. Una película no está construida únicamente a partir de aquello que aparece dentro del encuadre, sino también de la duración de cada plano, del momento en que aparece un sonido, de un silencio, de una repetición o de la relación entre dos imágenes.

Esta manera de entender el audiovisual tiene una relación directa con la composición musical. El ritmo no depende únicamente de la velocidad del montaje. También puede surgir de una espera, de una pausa, de una acumulación o de un contraste. Una imagen puede necesitar unos segundos más de los previstos para adquirir significado, del mismo modo que una secuencia puede funcionar mejor cuando se decide no mostrar algo que inicialmente parecía imprescindible.

Por eso entendemos la producción audiovisual también como una forma de composición. La imagen, el sonido y el tiempo son materiales con los que se construye una pieza, y trabajar con ellos implica tomar decisiones que van mucho más allá de la ejecución técnica.

Del vídeo corporativo a la interpretación

Hablar de vídeo corporativo suele llevarnos a pensar en una categoría de producto relativamente definida: una empresa que necesita explicar quién es, qué hace y cuáles son sus servicios. Sin embargo, no todos los proyectos necesitan ser tratados de la misma manera. Algunas organizaciones tienen una identidad que no puede reducirse fácilmente a un mensaje corporativo, porque está construida a partir de espacios, personas, objetos, historia o cultura.

En estos casos, el trabajo audiovisual se aproxima más a una interpretación. Antes de decidir cómo contar algo, hay que determinar qué merece ser contado y desde qué perspectiva. El proceso puede implicar conversaciones, investigación, observación de los espacios, búsqueda de archivos o simplemente tiempo para entender cómo funciona aquello que tenemos delante.

Esta aproximación modifica también la relación entre cliente y productora. El objetivo deja de ser únicamente recibir un encargo y ejecutarlo para convertirse en un proceso de colaboración en el que la dirección y la interpretación tienen un peso importante. El cliente conoce su proyecto; el trabajo audiovisual consiste en encontrar una forma de traducirlo al lenguaje de la imagen y el sonido.

Pensar el audiovisual como un oficio

Hay algo en esta manera de trabajar que se parece más a un taller que a una fábrica de contenidos. En un taller existen herramientas, materiales y conocimientos, pero también existe la necesidad de adaptar el proceso a cada pieza. No se trabaja de la misma manera con todos los materiales porque cada uno responde de una forma diferente.

La imagen también tiene materia. Tiene luz, textura, movimiento, sonido y tiempo. Trabajar con ella exige conocer las herramientas, pero también desarrollar criterio para saber cuándo utilizarlas y cuándo prescindir de ellas. En ese sentido, nos interesa recuperar una idea de oficio que no está reñida con la tecnología contemporánea. Un artesano puede utilizar herramientas modernas sin que su trabajo deje de ser artesanal; lo que define el oficio no es la antigüedad de las herramientas, sino el conocimiento de la materia y la capacidad de tomar decisiones sobre ella.

Quizá por eso nos resultan útiles tres figuras para pensar nuestra práctica: el herrero, el pintor y el curador. El herrero conoce la materia y las herramientas con las que puede transformarla. El pintor desarrolla una mirada y construye una composición. El curador selecciona, relaciona y decide qué debe estar presente y qué puede quedar fuera. El audiovisual reúne de alguna manera esas tres operaciones y añade una cuarta: la composición del tiempo.

Una imagen no tiene por qué parecerse a otra

La producción constante de contenido ha generado una paradoja. Tenemos más posibilidades técnicas que nunca, pero también encontramos cada vez más imágenes construidas a partir de códigos muy similares. Determinados movimientos de cámara, músicas, ritmos de montaje, estructuras narrativas y recursos visuales se han convertido en fórmulas reconocibles y fácilmente reproducibles.

No se trata de estar en contra de esas herramientas ni de defender que una estética determinada sea superior a otra. Tampoco creemos que una imagen sea mejor simplemente porque tenga una textura analógica o una menor definición. El problema aparece cuando la herramienta se convierte en una fórmula y la fórmula sustituye a la decisión.

Una arquitectura puede necesitar una cámara estática y un montaje pausado. Una persona puede necesitar un retrato construido a partir de pequeños gestos. Un archivo histórico puede requerir convivir con imágenes contemporáneas. Un proyecto puede encontrar su lenguaje en la alta definición y otro en una cámara de vídeo de hace treinta años. Lo importante no es que todos los proyectos tengan una determinada apariencia, sino que cada uno encuentre una forma coherente con aquello que quiere expresar.

Encontrar la imagen adecuada

En última instancia, trabajar con imagen en movimiento consiste en tomar decisiones. Qué mostrar, qué omitir, cuánto tiempo permanecer sobre una imagen, qué sonido utilizar, qué relación establecer entre dos escenas y qué herramientas pueden ayudar a construir esa relación. Son decisiones creativas, pero también son decisiones de interpretación.

Esta es la razón por la que entendemos la producción audiovisual como algo que comienza antes de la cámara y continúa después del montaje. La película es el resultado de una serie de elecciones que empiezan con la observación de una realidad concreta y terminan encontrando una forma de compartirla con los demás.

En un entorno en el que cada vez resulta más sencillo producir imágenes, creemos que el verdadero valor está en saber distinguir cuáles son necesarias. No se trata de producir más, ni de utilizar siempre la tecnología más avanzada, ni de buscar una estética reconocible por encima de todo. Se trata de mirar con atención, comprender aquello que tenemos delante y encontrar la forma audiovisual que mejor pueda revelarlo.

Esa es, para nosotros, la parte esencial del oficio: encontrar la imagen adecuada.